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	<title>海风摄影</title>
	<link>http://v.k312.com/ocean</link>
	<description>影中有你，我中有影</description>
	<lastBuildDate>Thu, 23 Jun 2011 00:42:38 +0000</lastBuildDate>
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		<title>森山大道纪录片（片段）</title>
		<description><![CDATA[“我是一个都市之子，我对任何都市都一见如故。对我来说，小城市就是一部短篇小说，大城市就是一部长篇小说。尽管它们规模各有不同，但像小说一样，会有不 同的阅读乐趣，东京这样的大都市，我拍摄它就像写一部长篇小说，非常辛苦，有一种走投无路的感觉。”（森山大道）
森山：如果你用单反相机，你会这么用机器，来找到完美的对焦。可你抓住的瞬间区却不是你要表达的感受。但你用小机器的话，那就简单了。
而且如果你端着大炮对这人们，特别是在新宿，人们马上掉头就跑。
摄影总会让人有反应，但如果你用小机子，你能更简单的完成这一切，人们不会太反感。
快门声音不大，而且你也不用端着相机，这对抓拍来说尤其方便。
如果晚上你在新宿的歌舞伎町拍照，肯定会遇到麻烦。所以我拍到时候把机子放在身子另一边。
我不叫这隐蔽拍摄，而是盲拍。如果你这么做，那一切都很简单。
当然我有时会用取景器然后摆拍。
但根本上来说，我最喜欢的还是拍表达我感受的片子。
荒木：我想他是从来不会用自己的机器的，一般就是借别人的相机，然后就变成自己的了。
好镜头，好机器，比如leica啥的。它们是拍照者的主人。但森山试着让相机变成他的奴隶。
这就像写情书，你总需要工具，圆珠笔或者钢笔。这些都是好的。
如果你尝试“去摄影化”，那你可以像他一样做。
森山：一切相机都是好的，只不过它取决于你拍摄的方式。（豆瓣xumatrix 翻译）
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		<link>http://v.k312.com/ocean/2011/06/23/moriyama-daido/</link>
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		<title>美国大兵摆造型</title>
		<description><![CDATA[
你能看出来这个自由女神像由多少人组成么？虽然第一排仅仅只站了17个人，但是其实一共有一万八千人！光火炬的部分就有一万两千人！英国摄影师 Arthur Mole和他的美国同行John  Thomas从1920年左右开始，拍摄了许多这样的照片，都是由美国大兵排出的在美国历史上很有意义的图案。

这个山姆大叔中有一万九千个大兵。

两万一千人组成的威尔逊总统。
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		<title>为何你的相机不重要?</title>
		<description><![CDATA[除非你很有钱，否则沦为器材迷真是一种悲哀。
转这样一篇文章，你我共勉。
Why Your Camera Doesn&#8217;t Matter
为何你的相机不重要?
转自http://www.kenrockwell.com/tech/notcamera.htm
为何在60年后的今天，当摄影器材不论是在照相机的功能、镜头的锐利度、底片的细致度以及解析度都已经改进到一定的程度，却仍然没有人能够取代或甚至拍出相同於安塞亚当斯(Ansel Adams)在1940年代所拍摄的作品？
Why is it that with over 60 years of improvements in cameras, lens  sharpness and film grain, resolution and dynamic range that no one has  been able to equal what Ansel Adams did back in the 1940s?
在安塞所处的时代，并没有像Photoshop这样的电脑软体，那么他是如何创造出那些无与伦比的作品？许多企图挑战大师的人很快发现自己的失败，他们有些或许可以很接近如摄影大师杰克迪金卡(Jack Dykinga)一般，然而每个人的作品却又不尽相同。
Ansel didn&#8217;t even have Photoshop! How did he do it? Most [...]]]></description>
		<link>http://v.k312.com/ocean/2011/06/13/why-your-camera-doesnt-matter/</link>
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		<title>让人惊艳的长曝光照片 太美了</title>
		<description><![CDATA[
曝光时间：117.4秒

曝光时间：124秒

曝光时间：656秒

曝光时间：未知

曝光时间：20秒

曝光时间：30秒

曝光时间：31秒

曝光时间：20秒

曝光时间：60分钟

曝光时间：15秒

曝光时间：10.9秒

曝光时间：由每个30秒的100张合成

曝光时间：23秒

曝光时间：253秒
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		<link>http://v.k312.com/ocean/2011/06/13/stunning-long-exposure-photos/</link>
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		<title>Lulu和她的白老鼠</title>
		<description><![CDATA[Marc Da Cunha Lopes在巴黎生活和工作。2005 年毕业后，他在戈布兰学习摄影。他的客户包括PlayStation，耐克，锐步，和Yoplait等。他创作的作品，在时尚，编辑和广告的使用都非常吸引人，原始又有点惊人。透过使用手工制作的道具，即便经过数字后期处理他的作品同样着迷。
这个特别的系列和他的其他作品不同。缪斯Lulu是一个可爱却怪异的小女孩，在作品中和一只可爱的白老鼠摆拍。





]]></description>
		<link>http://v.k312.com/ocean/2011/01/20/lulu-and-her-white-mouse/</link>
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		<title>著名摄影大师简介之Richard Avedon</title>
		<description><![CDATA[Richard Avedon是个比较不同的摄影家：他是从时尚摄影做起的。所以他拍过许多美女和名人。但他并没有因为自己的工作的关系而忘记自己到底想去拍什么：人。他不仅拍模特和名人，他更拍普通人、认识的人、以及在街上碰到的人。他不仅在工作室里工作，更把时尚摄影搬到了户外，以及政治生活（比如 1976年的美国大选），他甚至还在街头拍过东西（例如1989年勃兰登堡门的新年前夜）。所以说Richard Avendon是个什么都拍的摄影家并不为过。但他最出名的作品，绝对是他的人像。

Richard Avedon 1923年出生在纽约。他的家庭是来自俄罗斯的犹太人。 Richard Avedon在高中读完之后，在哥伦比亚大学读了很短一段时间。1942年他就开始用一台父亲给他的Rolleiflex给商船队的船员拍证件照了（当时是战时，商船属于美国海军的一部分，所以需要拍照登记）。1944年的时候，他给一家百货商场做广告摄影师。但很快，他的才能被当时是 Harper&#8217;s Bazaar的艺术总监Alexey Brodvitch发现。于是他就开始为Harper&#8217;s Bazaar的拍照，并且在不久后就成为了那里的首席摄影师。Avedon一直在Haper&#8217;s Bazaar工作到66年。之后他去了Vogue，没过几年，也做到了那里的首席摄影师。 1992年他去了The New Yorker杂志做首席摄影师。2004年，他在德克萨斯拍摄美国大选的时候脑溢血发作去世。

Richard Avedon 从小就很喜欢人像和时尚。这也许和他父亲的商店有关。这是一个女装店，所以Avedon从小就能看到女人与时尚的关系。他的父母也订阅了包括Vogue、 Vinity Fair和Harper&#8217;s Bazaar在内的顶尖时尚杂志。小Avedon从这些杂志里也学到了许多关于时尚摄影的东西。他最崇拜的摄影师是Martin Munkacsi，这点和Henri Cartier-Bresson一样。在做时尚杂志摄影师的几十年里，他除了给名牌服装拍摄广告之外（几乎所有的顶级品牌他都拍过），他还拍摄了许多名人肖像。他拍的名人，主要是文化艺术界的人，政治人物也有，但不多。然后他还有几次旅行拍摄的经验，大都是受了杂志或者别的什么人的委托的拍摄任务。63年拍摄美国南部的民权运动，69年拍摄反战运动，70年在越南，，和85年在美国西部。其中85 年在西部拍摄的系列名叫In The American West，是Avedon的艺术家生涯最重要的代表作。他用6年的时间，在美国中西部几个州，拍摄了125张人像。这个系列后来出过影集，也办过展览。被公认为是20世纪人像摄影的一个里程碑。

Richard Avedon的风格是很别致的：他最大的特点就是纯白的背景（少数情况是灰色）。我印象里他拍的人像是从来没有任何非纯色背景的。他的时尚照片则恰恰相反：他喜欢把模特和助手带到摄影棚之外，到街上去拍摄。而且他的时尚摄影里，模特经常是处在运动中。一句话：模特在他的照片里不是个衣架子，而是个活人。 Richard Avedon用纯白背景拍人像，倒不是他首创的。这个东西画家里就有人这么尝试过。不过Avedon是把白色背景和其他东西结合起来了：他经常在试图寻找被摄者比较不常见的一面。例如他拍摄温莎公爵和夫人的时候，他聊到来摄影棚的路上，他坐的出租车撞死了一条狗。在公爵和夫人露出惊讶、遗憾，或许还有点哀伤的神情的瞬间，他按下了快门。这是Avedon很典型的方法：用聊天来引导被摄者的情绪。他甚至经常问被摄者一些很严肃的问题，例如关于生死。因此他的照片里的名人，经常和我们印象里的不太一样。比如梦露：我们一般的印象是性感甚至妖艳的。但在Avedon的照片里，她显得非常疲惫，还带着些许悲伤。所以Avedon不仅是一个记录者，他更是人像的创作者。在这样的表现力的前提下，白色背景就并不显得单调乏味，而是把观众的注意力完全集中到了人物上。

Avedon拍的人像照片用的几乎都是大画幅。而且他经常会把照片稍微过曝一些。这样做的目的，其实和用纯白背景一样：减少不重要的东西对观众的干扰。而且他也并不排斥大画幅的浅景深。在不用背景布的情况下，他经常用浅景深来虚化背景，甚至是被摄者的身体。这些方法和大画幅的分辨力组合起来，就形成了一种非常有张力的视觉风格：在最大程度的描述被摄者脸上所有细节的同时，把所有其他东西都隐藏起来。这让观众能看到被摄者最细微的表情和眼神。所有东西都被放大了。有一点大家可能不太在意：大画幅相机拍摄的时候，都在先在毛玻璃上取景对焦，然后就不再看取景器了。而是看着被摄对象，估计着构图按下快门的。这样做的好处是：你和被摄者的交流会更加直接，你对镜头前的人的情感的判断会更加准确。你能亲眼看到他/她的眼睛，他/她也能直接看到你的眼睛。这对于Richard Avedon或Yousef Karsh这样的人像摄影风格是很重要的。在取景器里看，绝对会多一层隔膜的。

Richard Avedon 是一个喜欢用自然光的摄影家。这并不是说他不会用人造光：在他的很多时尚摄影里，人造光的运用堪称巧妙。但他似乎更喜欢阴影中的自然光的效果。即使是在摄影棚里，他也在用人造光来模拟这种效果：非常非常软的光。几乎看不到影子。他似乎不喜欢让影子遮住任何的细节。

如果要我用一个词来形容 Richard Avedon的风格，那大概只能是：直接。直接得近乎残忍。在他的镜头前，人被剥去了一切日常生活里戴着的面具，被迫以真面目示人。而且那个真面目通常是让我们感到惊讶得。Richard Avedon的照片里，人所展现出的东西是如此之少，所以他们才变得多和丰富。
这里顺便说几句时尚和艺术的关系：时尚和艺术其实是双胞胎。艺术的逻辑其实就是时尚的逻辑：永远在变化。对于一个艺术家，看到一个让他心动的艺术作品后给他最大的启发永远是：这个我以后不能做了。一个完全一样的东西，会随着时间的不同，价值发生巨大的改变。新的艺术思潮和风格的兴起和衰落，和它们到底多好关系不大。重要的只是：这够不够新潮？但这绝不是说老的杰作就不好了，这只意味着：你再重复这些东西的话，是毫无艺术价值的。就像现在每个中学生都知道 E=mc^2并不会让爱因斯坦成为一个中学生一样。但你如果现在写出E=mc^2，希望能得诺贝尔奖，估计是较困难。
以下幻灯片，包括2010年9月在波士顿美术馆展出的现场照片：

现场照片来自天府论坛。
已获原作者Roger Wang转载许可，联系作   者：badsoul@vip.sina.com。
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		<link>http://v.k312.com/ocean/2011/01/07/richard-avedon/</link>
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		<title>著名摄影大师简介之Edward Steichen</title>
		<description><![CDATA[说Edward Steichen就不能不提Alfred Stieglitz。Steichen是Stieglitz一生的朋友，最好的合作伙伴和艺术上的同道。但他们的差异也是巨大的：Edward Steichen是一个非常成功的摄影家。可以说是他是第一真正意义上的“商业摄影家”，在他活着的时候，他是世界上最出名和收入最高的摄影家之一。而Stieglitz是个私人生活很不顺利的人。因此，我建议大家先去看看我写的关于Stieglitz的帖子。这样很多事情能显得更加清楚明晰。
Edward Steichen 1879生在卢森堡的一个小镇。非常小，才几百人的人口。 1880年，Edward才刚出生没多久，他们全家就移民到了美国。1889年，他们一家在芝加哥住了几年之后，搬到了密尔沃基住了下来。
Edward 14 岁的时候，去当地的一家印刷公司见习印刷术。他在那里学会了印刷，并且自学了绘画。之后，他在公司附近看了一家相机店，犹豫了一段时间之后，买了台二手的柯达相机。之后，他和几个朋友一起，租了间办公室，成立了所谓的“密尔沃基艺术学生联盟”。1900年，Edward成了一个归化的美国公民。这就意味着他是彻底的美国人了。
1900年，他遇到了Stieglitz。1905年，他和Stieglitz一起开了291画廊。事实上，这首先是Edward的主意：他发现了曼哈顿第五大街上空着的几个房子，就有了开画廊的主意。
1911年，Edward Steichen拍摄了一组晚礼服的照片，这些照片之后发表在Art et Décoration杂志上。这组照片后来被认为是时尚摄影的最早尝试。当时他作为摄影家的名望已经很大了。第一次世界大战期间，他作为美国远征军的随军摄影部队的指挥官参与了战争。在二次大战期间他也是作为美国海军航空兵部队的摄影团队指挥官参与了在太平洋的战斗。
在两次大战之间，他主要的工作都是时尚摄影。他是Vanity Fair（名利场）和Vogue的首席摄影师，这两本杂志都是当时美国顶尖的时尚杂志，而且它们在现在的影响力似乎比几十年前还大。特别的是：这两本杂志在Steichen之后，首席摄影师都是著名的摄影大师。可以说是杂志中的艺术品了。
在1943年，他拍摄了一部关于海军飞行员的记录片，获得了45年的奥斯卡最佳纪录片奖。在二战之后，他就来到了MoMA（现代艺术博物馆，美国乃至世界最有影响的现代艺术权威机构），做摄影部门的主任。1955年他主办了一个名为 Family of Man的摄影展，这是有史以来最大和成功的摄影展之一。展览包括了超过500张照片，在十几年的时间里去了69个国家展览，总共有超过900万人看过这个影展。1962年，Steichen退休，把MoMA的摄影部门主管的位置让给了John Szarkowski。
Edward Steichen 的摄影风格，前期是以画意派为主。后期逐渐过渡到写实摄影和时尚摄影。现在公认他是时尚摄影的创始人和第一位大师。他把时尚摄影从简单的“给衣服的广告” 变成了一种独特的艺术形式。你或许可以说这是消费文化对艺术的侵蚀，但说成是消费主义对艺术的贡献也并无不可。Steichen还是最早使用彩色摄影的大师之一。他用的是一种叫Autochrome Lumière的工艺。在彩色负片出现之前，这是唯一的彩色摄影工艺。这种工艺的特点是特别麻烦。无论是拍摄和冲洗都是。而且颗粒比较大。
Edward Steichen最大的贡献，在我看来，是把摄影艺术从纯粹艺术的领域里解放了出来，让摄影艺术更加接近大众，同时，让摄影家成为一个真正能名利双收的行当。在Steichen之前，如果一个小孩说自己要做个摄影家，那是个非常不靠谱的事情。因为就算是当时最杰出的摄影家，也是没法获得一个足以过有尊严的独立生活的收入。在Steichen之后，摄影家成了一个能赚到大钱的行当，只要你拍得好。于是摄影艺术就能吸引更多的有天赋的年轻人加入。这对于20世纪后半的摄影艺术大发展是个无论怎么高估都不过分的事情。如果说 Alfred Stieglitz让摄影艺术成为了一种严肃艺术，那么Edward Steichen就让摄影家成为了一种严肃的职业。






已获原作者Roger Wang转载许可，联系作  者：badsoul@vip.sina.com。
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		<link>http://v.k312.com/ocean/2010/12/16/edward-steichen/</link>
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		<title>眼见不一定为实的创意摄影作品</title>
		<description><![CDATA[眼见不一定为实，这一组创意照片再一次告诉我们。而且用常见的人造毛皮、棉花、红辣椒、肉桂等等，制造出如此逼真的或风暴气象，或星球表面，或火山爆发等大场景，不由得要感叹摄影师的创造力和想象力。

风暴过后：这个模型是由人造毛皮，棉花，瓷砖加上一些诸如灯光、白平衡等效果构成的场景效果。

北极光：透过黑色的窗帘边缘拍摄到的彩色光束效果复合真实树木的照片而成，夜空的星星则是通过拍摄透过软木闸门板的小洞形成的效果。

火山：由瓦罐浆、棉花、含磷墨水加上从内部透出的6~60瓦的灯泡灯光共同形成效果。

火星场景：由红辣椒、肉桂、百里香、辣椒粉、木炭共同搭配形成的场景效果。

燃烧室：由木材，尼龙，有机玻璃家具玩具搭配场景，加上有技巧的放火效果形成效果。

龙卷风：由羊毛模拟旋风，香菜和苔藓模拟地面效果共同搭建场景效果。

河流：由瓷砖灌浆，苔藓，水玻璃，蓝色帆布画等加上白平衡转移效果构成的场景效果。
来自豆瓣阿Pe的相册
]]></description>
		<link>http://v.k312.com/ocean/2010/11/29/seeing-is-not-believing-photos/</link>
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	<item>
		<title>尼康定格摄影广告</title>
		<description><![CDATA[广告公司: Friendly, Hungary
创意总监: Miki Mátrai
文案: Bence Jávor
摄影师: Tamás Lippich [via]
]]></description>
		<link>http://v.k312.com/ocean/2010/11/23/nikon-ad-in-hungary/</link>
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	<item>
		<title>著名摄影大师简介之Alfred Stieglitz</title>
		<description><![CDATA[
与其说Alfred Stieglitz是一个伟大的摄影家，倒不如说他是一个美国现代艺术的塑造者。世界艺术的中心从欧洲转移到美国，他居功至伟。而摄影成为一种能和绘画、雕塑相等同的艺术形式，他应该是其中的核心人物。如果没有Stieglitz，也许“摄影艺术”或者“艺术摄影”的出现要晚20年。
Alfred Stieglitz 1864 年出生在新泽西的一个德国犹太人移民家庭。他是6个孩子中的长子。他的父亲在美国南北战争中是北方军的一位军官。3年时间赚了一些钱，就付钱免除了服役（当时美国的兵役是义务兵，但给钱可以免服），还做了一点小生意。在Stieglitz 17岁的时候，他的父亲为了让他和他的弟弟妹妹们获得良好的教育，全家搬回了德国。德国从19世纪后半一直到20世纪20年代，都是世界科学技术和文化的心脏。德国的教育系统也是遥遥领先的。在德国 Stieglitz接触到了当时还算新奇玩意的摄影术。虽然摄影当时已经发明了半个世纪了，但那个时候的社会变化速度和现在不能比的。读到1890年的时候，他回到了纽约。
他回到纽约的时候，已经是个坚定的摄影艺术家了。也不肯别的工作，于是他父亲给他买下了一家小摄影公司，希望他能自食其力。不过他显然不会做生意。1893年，他和他一个好友的妹妹Emmy结婚了。不过这个婚姻并不是基于爱情，而是基于经济的考量。他的妻子继承了一大笔遗产，而他之后的生活和工作很大程度上都是依赖于她。至于她为什么会如此无私的支持Stieglitz，也许是因为她爱他吧。
1896 年，他把当时纽约的两个小摄影团体合并起来，成立了Camera Club。然后还创办了一本杂志，叫Camera Notes。这两者是当时美国甚至世界最早的针对艺术摄影的摄影团体和杂志。加上他自己的摄影创作，Stieglitz在同时干三份全职工作。但这对他来说算是很正常了。1900年，他遇见了Edward Steichen，之后他们持续了一生的友谊和合作关系。
1902年，他辞去了Camera Notes的编辑职务，开始筹划他自己理想的一本杂志：完全关于艺术和摄影，而且是完全图片化和达到当时技术允许的最高水平的。在1902年12月，这本叫Camera Work 的杂志出版了。这本杂志的印刷质量是如此之好，以至于当时在德国的一个摄影展上，从美国来的几张参展照片丢失了，工作人员就从这杂志上把那几张照片撕下来挂在展览里，而观看的人都以为是原始照片。同时，他还在办自己的展览。当然，这么做的结果是他的健康垮掉了。不过这对Stieglitz来说并不稀奇：他基本每过几年就要大病一次，修养几个月。大概都是累出来的。
1905年他在纽约开办了一个小画廊。这个画廊之后改名为291。这个地方虽然很小，但实际上成为了之后十几年美国现代艺术的一个重镇。很多现代艺术的艺术家就是在这里被介绍给美国社会的。无论是美国本土的艺术家还是欧洲的。这个画廊不仅展览摄影和绘画作品，也卖作品。不过就像Stieglitz做过的任何事情一样，这个画廊从来就没盈利过。事实上，Stieglitz的一生基本都在和经济上的困难做斗争。无论是依赖他的妻子还是他父亲，他基本上就没真的赚过钱。虽然他作为艺术家的名望非常大，但对一个艺术家来说，有名和有钱显然是两回事。再加上他对年轻女人的迷恋，他的婚姻生活也不怎么顺利。所以说他的私人生活一塌糊涂，其实真差得不太多。
1916 年，Stieglitz认识了当时还是个年轻画家的Georgia O&#8217;Keeffe。他几乎马上就被这个小他23岁的女人吸引了。他在1918年和 Emmy离婚。他在这个时期也认识到了现代艺术的方向：画意摄影是一种已经死亡的摄影流派。于是他解散了Photo-Seccesion，停刊了 Camera Work，关闭了291。在之后的几年里，他最大的成就就是大量的O&#8217;Keeffe的人像。包括各种的人像：局部特写、头像和人体，有几百张之多。这些照片日后成为了Stieglitz最为著名的作品。它们可能是艺术史上对单个人最真实和精彩的记录。
Stieglitz生命的最后20年主要是在做展览和画廊。但这些工作并没有被他的艺术家同行们认同。正如Paul Strand说的：“在1907年我走入291的时候是我一生中最好的瞬间之一。但1932年我从An American Place（Stieglitz办的画廊）走出的瞬间也并不差。”或许用句爱因斯坦的话来形容Stieglitz的老年比较贴合：“上帝对我年轻时候藐视权威的最大惩罚就是：我老了也成了权威。”作为一个权威的Stieglitz，已经失去了作为一个艺术家的创造力。他代表的是过去，而不是未来。
Alfred Stieglitz的摄影风格基本上是画意派的。他的构图和画面组织都是大量借鉴和模仿了当时的绘画。比如他的照片里基本都是标准焦距，从正常的视角，横平竖直的拍摄对象。他的画面中的元素组织也是追求平稳和平衡。当然他学习的是当时主流的写实主义的绘画，也许还有一点印象派。但当时所谓的现代绘画，特别是抽象绘画，是基本没有的。他做过的最抽象的艺术尝试，是对云的拍摄。他拍了10张云的照片，作为对摄影艺术的研究。这可能是最早的抽象摄影的尝试。
他对美国现代艺术的发展起到了重要的推动作用。欧洲的现代艺术是他首先介绍到美国的，例如毕加索和马蒂斯。并且他通过展览、画廊和杂志，大大提升了摄影作为一种艺术的地位。在他年轻的时候，摄影只是被认为是一种有钱人的玩具或者一种新的新闻报道工具。而在他晚年，摄影已经被公认为一种现代艺术形式，能和绘画或雕塑平起平坐。这一点很大程度要归功于他。
Alfred Stieglitz 或许不是一个最杰出的艺术家。但这远远不是他的遗产的全部。他更是一个艺术的推广者和发展着。不仅是摄影艺术，更是整个现代艺术。他更是一个将一生无私的献给艺术的人。
Alfred Stieglitz的一些代表作：





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		<link>http://v.k312.com/ocean/2010/11/15/alfred-stieglitz/</link>
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